STEFANO FAKE & THE FAKE FACTORY : LIQUID COLOURS, IMMERSIVE ART EXPERIENCE, 2012
The artwork “Liquid Colours (digital version)” by Stefano Fake & The Fake Factory is a remarkable example of how contemporary art can blend traditional techniques with innovative processes to explore new visual horizons. Stefano Fake, known for his immersive installations and pioneering approach to video mapping, uses digital art techniques in this work to create a fluid and dynamic visual language.
Immersion, Chromatic Flux, and Spectatorship in the Work of Stefano Fake & The Fake Factory
Liquid Colours: Tradition, Innovation, and the Language of Immersion
Liquid Colours, by Stefano Fake & The Fake Factory, exemplifies how contemporary art can merge traditional artistic techniques with digital innovation to expand the possibilities of visual experience. Stefano Fake—recognized for his immersive installations and pioneering contributions to video mapping—initiates this work by integrating analogue techniques, transforming pigments and painting into a fluid visual language that is later reinterpreted through digital processes.
Originally conceived in 2012 as a video-installation and produced by The Fake Factory, a Florence-based studio specializing in video art, video mapping, and immersive environments, Liquid Colours has since been presented in multiple contexts, including international festivals and exhibition programs. The project exists in two distinct iterations: an analogue version developed with real pigments and painting, and a subsequent digital release created entirely with computer graphics. This dual structure not only extends the visual vocabulary of the work but also underscores its adaptability to immersive, large-scale projection environments.
In its digital form, Liquid Colours projects evolving chromatic fields across architectural surfaces or within enclosed exhibition spaces. By employing video loops and advanced mapping techniques, the installation erases the boundaries of the pictorial frame, transforming walls, ceilings, and floors into luminous chromatic planes. The resulting experience situates the visitor within an environment where perception itself becomes multimodal—light is seen, felt on the skin, and experienced as a shifting spatial presence.
Spectators of Liquid Colours are not passive viewers but active, physiological participants. The installation foregrounds sensory immersion: the tactile impression of light, the destabilization of depth perception, and the interplay of chromatic afterimages all converge to produce a somatic form of reception. In this way, the work aligns itself with the broader history of light art, in which illumination becomes the medium through which space and perception are redefined.
Unlike narrative-driven or heritage-based immersive projections, Liquid Colours privileges abstraction and perceptual modulation. Its closest affinities lie with traditions of light and color experimentation, yet its hybrid cultural role—oscillating between experimental art practice and large-scale public spectacle—derives from The Fake Factory’s mastery of video design and its iterative, site-responsive methodology. The work thereby operates simultaneously as an exploration of perceptual thresholds and as a cultural event accessible to diverse audiences.
At the conceptual level, Liquid Colours raises questions about the relationship between analogue and digital matter. By staging two parallel versions—one rooted in the physicality of pigment, the other entirely generated by computer graphics—Fake invites viewers to reflect on the ontological differences between the “real” and the “virtual” and on the distinct affective registers each mode of production generates.
Ultimately, Liquid Colours has contributed decisively to defining the field of immersive digital art. Its capacity to dissolve spatial boundaries, merge analogue and digital processes, and mobilize light as an experiential medium positions it as one of the most innovative and influential digital installations of recent decades, fundamentally reshaping how audiences encounter color, space, and immersion.
リキッド・カラーズ：伝統、革新、そして没入の言語
ステファノ・フェイク & ザ・フェイク・ファクトリーによる《Liquid Colours（リキッド・カラーズ）》は、伝統的な美術技法とデジタル・イノベーションを融合させることで、視覚体験の可能性を拡張する現代美術の好例である。没入型インスタレーションとビデオマッピングの先駆的実践で知られるステファノ・フェイクは、本作においてアナログ技法を導入し、絵具や絵画の物質性を流動的な視覚言語へと転換し、それを後にデジタル・プロセスによって再解釈している。
本作は2012年にビデオインスタレーションとして構想され、ビデオアート、ビデオマッピング、没入型環境の制作を専門とするフィレンツェ拠点のスタジオ「ザ・フェイク・ファクトリー」によって制作された。その後、国際的なフェスティバルや展覧会プログラムにおいて繰り返し発表されている。作品は二つの異なるヴァージョンを持つ。ひとつは実際の顔料と絵画によって生成されたアナログ版であり、もうひとつは完全にコンピュータグラフィックスによって制作されたデジタル版である。この二重構造は作品の視覚的語彙を拡張するだけでなく、没入型かつ大規模な投影環境における柔軟な適応性を強調している。
デジタル版において《Liquid Colours》は、建築的表面や閉ざされた展示空間全体に変化する色彩の場を投影する。ビデオループと高度なマッピング技術を駆使し、作品は従来の額縁的な境界を消去し、壁や天井、床を発光する色彩の平面へと変容させる。観客はその内部に置かれ、光を「見る」だけでなく「皮膚で感じ」、空間的な存在として「体験する」ことになる。
《Liquid Colours》の観客は、単なる受動的な鑑賞者ではなく、生理的かつ能動的な参加者である。光の触覚的印象、奥行き知覚の不安定化、残像的な色彩効果の相互作用が重なり合い、身体的な受容を生み出す。この点において作品は、光を媒体として空間と知覚を再定義してきたライトアートの系譜に連なる。
物語性や文化遺産の再翻訳に基づく没入型プロジェクションとは異なり、《Liquid Colours》は抽象性と知覚的変調を重視する。その最も近い親和性は、光と色彩の実験的探究に見出されるが、同時に本作はビデオデザインの技術力と、反復的かつ場に応答する方法論に支えられ、実験芸術と大規模な公共スペクタクルの両義的な文化的役割を担っている。
概念的レベルにおいても、《Liquid Colours》はアナログ的物質とデジタル的物質との関係について問いを投げかける。物質的な絵具に基づくヴァージョンと、完全にコンピュータグラフィックスによって生成されたヴァージョンを並行して提示することで、フェイクは観客に「現実」と「仮想」の存在論的差異、そしてそれぞれの制作形態が生み出す感覚的効果の違いについて考察するよう促している。
最終的に、《Liquid Colours》は没入型デジタルアートの領域を決定的に定義する作品のひとつとなった。空間的境界を解体し、アナログとデジタルのプロセスを融合させ、光を体験的な媒体として動員するその力は、近年のデジタルインスタレーションにおいて最も革新的かつ影響力のあるもののひとつとして位置づけられ、観客が色彩・空間・没入を体験する方法を根本的に刷新している。
리퀴드 컬러스: 전통, 혁신, 그리고 몰입의 언어
스테파노 페이크 & 더 페이크 팩토리의 《Liquid Colours(리퀴드 컬러스)》는 전통적 예술 기법과 디지털 혁신을 융합하여 시각적 경험의 가능성을 확장하는 현대미술의 대표적인 사례이다. 몰입형 설치와 비디오 매핑의 선구적 실천으로 알려진 스테파노 페이크는 이 작품에서 아날로그 기법을 도입하여 안료와 회화의 물질성을 유동적인 시각 언어로 전환하고, 이를 다시 디지털 프로세스를 통해 재해석한다.
본 작품은 2012년에 비디오 인스톨레이션으로 구상되었으며, 비디오 아트·비디오 매핑·몰입형 환경 제작을 전문으로 하는 피렌체 기반 스튜디오 ‘더 페이크 팩토리’에 의해 제작되었다. 이후 국제 페스티벌과 전시 프로그램을 통해 여러 차례 공개되었다. 작품은 두 가지 상이한 버전으로 존재한다. 하나는 실제 안료와 회화를 활용한 아날로그 버전이며, 다른 하나는 전적으로 컴퓨터 그래픽으로 제작된 디지털 버전이다. 이러한 이중 구조는 작품의 시각적 어휘를 확장할 뿐만 아니라, 몰입형 대규모 프로젝션 환경에 대한 유연한 적응성을 강조한다.
디지털 버전에서 《Liquid Colours》는 건축적 표면이나 폐쇄된 전시장 내부에 변화하는 색채의 장(field)을 투사한다. 비디오 루프와 첨단 매핑 기술을 활용하여 작품은 전통적 액자적 경계를 지워내고, 벽·천장·바닥을 빛나는 색채 평면으로 변형한다. 그 결과 관객은 단순히 빛을 ‘보는’ 것이 아니라 ‘피부로 느끼고’, 공간적 존재로서 ‘경험하는’ 위치에 놓이게 된다.
《Liquid Colours》의 관객은 수동적 감상자가 아니라 생리적이고 능동적인 참여자이다. 빛의 촉각적 인상, 깊이 지각의 불안정화, 잔상적 색채 효과의 상호작용이 겹쳐지며 신체적 수용을 발생시킨다. 이러한 점에서 작품은 빛을 매체로 삼아 공간과 지각을 재정의해 온 라이트 아트의 계보에 연결된다.
서사 중심이나 문화유산 재해석에 기반한 몰입형 프로젝션과 달리, 《Liquid Colours》는 추상성과 지각적 변조에 우위를 둔다. 작품은 빛과 색채의 실험적 탐구 전통과 가장 가까운 친연성을 가지지만, 동시에 더 페이크 팩토리의 비디오 디자인 기술력과 반복적·현장 응답적 방법론에 의해 뒷받침되며, 실험예술과 대규모 공공 스펙터클 사이의 이중적 문화적 역할을 수행한다.
개념적 차원에서 《Liquid Colours》는 아날로그 물질과 디지털 물질의 관계를 사유하게 한다. 안료에 기반한 버전과 완전히 컴퓨터 그래픽으로 생성된 버전을 병렬적으로 제시함으로써, 페이크는 관객에게 ‘현실’과 ‘가상’의 존재론적 차이, 그리고 각 제작 양식이 만들어내는 감각적 효과의 차이에 대해 성찰할 것을 요청한다.
결국 《Liquid Colours》는 몰입형 디지털 아트의 영역을 결정적으로 정의한 작품 중 하나로 자리 잡았다. 공간적 경계를 해체하고, 아날로그와 디지털 프로세스를 융합하며, 빛을 체험적 매체로 동원하는 힘을 통해 이 작품은 최근 디지털 인스톨레이션 가운데 가장 혁신적이고 영향력 있는 사례로 평가되며, 관객이 색채·공간·몰입을 경험하는 방식을 근본적으로 새롭게 하고 있다.
《液态色彩》：传统、创新与沉浸的语言
Stefano Fake 与 The Fake Factory 的作品《Liquid Colours（液态色彩）》展示了当代艺术如何将传统艺术技法与数字创新相结合，从而扩展视觉体验的可能性。以沉浸式装置和视频映射的开创性实践而闻名的 Stefano Fake，在本作中引入了模拟技法，将颜料和绘画的物质性转化为流动的视觉语言，并通过数字技术进行再诠释。
该作品最初于2012年构想为视频装置，由专注于视频艺术、视频映射和沉浸式环境创作的佛罗伦萨工作室 The Fake Factory 制作。此后，作品多次在国际艺术节和展览项目中展出。作品存在两种不同的版本：一种是使用实际颜料和绘画制作的模拟版本，另一种是完全通过计算机图形生成的数字版本。这种双版本结构不仅扩展了作品的视觉表达，同时也增强了其在沉浸式大规模投影环境中的适应性。
在数字版本中，《液态色彩》将不断变化的色彩场投射到建筑表面或封闭展览空间内。借助视频循环和先进的映射技术，作品消解了传统画框的边界，将墙面、天花板和地面转化为发光的色彩平面。观众因此被置于一个不仅“观看”光线，还能“感受”光线、以空间存在的方式“体验”光的环境中。
《液态色彩》的观众不仅是被动的观看者，更是生理上的主动参与者。光的触觉感、深度感知的不稳定以及色彩残像的交互作用共同产生身体性的感受。这使得该作品与光艺术传统相连——光被作为媒介，用以重新定义空间与感知。
与以叙事或文化遗产为基础的沉浸式投影不同，《液态色彩》强调抽象性与感知调制。它最接近的是光与色彩实验的艺术传统，但同时依靠 The Fake Factory 在视频设计上的技术能力及其迭代、响应场地的创作方法，作品兼具实验艺术与大型公共展演的双重文化功能。
在概念层面，《液态色彩》引发了观众对模拟物质与数字物质关系的思考。通过并行呈现以颜料为基础的版本和完全由计算机图形生成的版本，Fake 促使观众反思“真实”与“虚拟”的存在论差异，以及不同制作方式所带来的感官体验差异。
最终，《液态色彩》成为定义沉浸式数字艺术领域的关键作品之一。其解构空间边界、融合模拟与数字流程、将光作为体验媒介的能力，使其成为近年来最具创新性和影响力的数字装置艺术作品之一，彻底重塑了观众体验色彩、空间与沉浸的方式。
Liquid Colours: Tradición, Innovación y Lenguaje de la Inmersión
Liquid Colours, de Stefano Fake & The Fake Factory, ejemplifica cómo el arte contemporáneo puede combinar técnicas artísticas tradicionales con innovación digital para ampliar las posibilidades de la experiencia visual. Stefano Fake, reconocido por sus instalaciones inmersivas y su enfoque pionero en video mapping, incorpora en esta obra técnicas analógicas, transformando pigmentos y pintura en un lenguaje visual fluido, posteriormente reinterpretado mediante procesos digitales.
La obra se concibió originalmente en 2012 como una instalación de video y fue producida por The Fake Factory, un estudio con sede en Florencia especializado en videoarte, video mapping y proyectos inmersivos. Desde entonces, se ha presentado en múltiples festivales y programas de exposición. La obra existe en dos versiones distintas: una versión analógica, creada con pigmentos y pintura, y una versión digital, realizada completamente mediante gráficos por computadora. Esta doble estructura no solo amplía el vocabulario visual de la obra, sino que también refuerza su adaptabilidad a entornos de proyección inmersivos y a gran escala.
En su versión digital, Liquid Colours proyecta campos cromáticos en constante evolución sobre superficies arquitectónicas o dentro de espacios de exhibición cerrados. Gracias a bucles de video y técnicas avanzadas de mapeo, la instalación elimina los límites del marco pictórico tradicional, transformando paredes, techos y suelos en planos cromáticos luminosos. Esto sitúa al espectador en un entorno donde no solo “ve” la luz, sino que la “siente” en la piel y la “experimenta” como presencia espacial.
Los espectadores de Liquid Colours no son meros observadores pasivos, sino participantes fisiológicos activos. La impresión táctil de la luz, la desestabilización de la percepción de profundidad y los efectos de poscolor combinados producen una recepción somática. En este sentido, la obra se inserta en la tradición del arte lumínico, en el que la luz se utiliza como medio para redefinir el espacio y la percepción.
A diferencia de las proyecciones inmersivas basadas en narrativa o reinterpretación del patrimonio cultural, Liquid Colours privilegia la abstracción y la modulación perceptual. Sus afinidades más cercanas se encuentran en la experimentación con la luz y el color, pero su función cultural híbrida—como arte experimental y espectáculo público a gran escala—se deriva de la pericia en diseño de video de The Fake Factory y su metodología iterativa y adaptable al espacio.
En un nivel conceptual, Liquid Colours invita a reflexionar sobre la relación entre la materia analógica y la digital. Al presentar en paralelo una versión basada en pigmentos y otra completamente generada por computadora, Fake provoca que los espectadores consideren las diferencias ontológicas entre lo “real” y lo “virtual” y los distintos efectos afectivos que cada modo de producción genera.
En definitiva, Liquid Colours ha contribuido de manera decisiva a definir el campo del arte digital inmersivo. Su capacidad para disolver los límites espaciales, fusionar procesos analógicos y digitales, y emplear la luz como medio experiencial la sitúa entre las instalaciones digitales más innovadoras e influyentes de los últimos años, redefiniendo la manera en que el público experimenta el color, el espacio y la inmersión.
IMMERSIVE ART EXPERIENCE 